藤崎圭一郎のブログ。「デザインと言葉の関係」を考えます。

by cabanon
 
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text & photo by Keiichiro Fujisaki

 
21_21 DESIGN SIGHTに行ってきました
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本日オープンの東京ミッドタウンへ行ってきました。午後3時頃でしたが、入場制限でもしているかと思いきや、適度の人混みという感じでした。目的の「21_21 DESIGN SIGHT」もゆったり安藤忠雄展を鑑賞できました。
「21_21 DESIGN SIGHT」はとてもいい建築です。おそらく現在東京近辺で体験できる最高の安藤建築でしょう。ミュージアムとしてはこぢんまりしています。が、随所に安藤建築お得意の「余白」があります。吹き抜けも、地下の中庭も、展示室へ至る動線も、出ていく動線も、無駄とは決して言えない詩的な、空間の余白です。
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昨年、表参道ヒルズについて、僕は「安藤さんらしくない」と書きました。あれは安藤建築以上に森ビルです。しかし「21_21 DESIGN SIGHT」はまさに安藤建築。昨年夏、取材で芦屋のコシノ邸を訪れたときと同じような感慨を持ちました。光の教会や本福寺水御堂などの中規模の建物が、安藤氏の真骨頂なんだと思います。建築家の生身の皮膚感覚を全空間の細部まで染みつけられる規模の作品をじっくりつくらせたら、やっぱり世界のANDOです。

なんと言ってもディテールが美しい。地下の展示室に至る階段は、日本のものづくりが極めて質の高いことを実感させてくれます。まず、手すりのガラスと鉄のシャープさに目が引かれます。目立たないけれど、足元の金属製の滑り止めが、滑らかなコンクリートの中で鈍い光を放ちます。そしてその階段を真横から見ると、コンクリートの現代彫刻と言えるくらい、素材とフォルムの間に緊張感が漲っています。
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どうもギャオスに見えて仕方ありません。

さて、この「21_21 DESIGN SIGHT」ですが、僕は運営に関して少々不安を感じています。なぜデザイン専門のキュレーターを育てようとしないのでしょうか…。企画には三宅一生氏、佐藤卓氏、深澤直人氏があたるようですが、これは、たとえて言うなら、美術館の学芸員が、デザインなら私たちにもできるからと言って、カタログやポスターのデザインまでやるようなものです。キュレーターとデザイナーは全く別の仕事です。キュレーションのプロがいて、デザインのプロがいる。

確かに、「21_21 DESIGN SIGHT」の展覧会企画はとても難しいと思います。なぜなら、東京ミッドタウンの3階は、IDEEやTime&Style、京都のSferaなどデザインやインテリアの個性的なセレクトショップが軒を連ねています。さらに「21_21 DESIGN SIGHT」の向かいには、良品計画が無印良品のワンランク上のブランドとして、海外で使われているブランド名を国内で初展開させる「MUJI」ショップもある。それらをゆっくり眺めていけば、そこがすでにデザインミュージアムのようです。

セレクトショップの優秀なバイヤーや商品プランナーには、「今」という時代を映し出すことに関して、キュレーター以上の才覚と情報網を持っている人たちがいます。先日Shiodomeitaliaで開催されていたような「ニッポンのデザイナー展」のような、ただ現在活躍するデザイナーの代表作を並べるだけの展覧会では、コンセプトがしっかりしたセレクトショップの商品棚よりずっと見落とりします。ミュージアムには、ミュージアムにしかできない企画が必要です。
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素晴らしい「箱」ができました。今度は「人」です。ソフトウェアです。デザインのキュレーターを育てなければなりません。デザイナーが副業で行う展覧会企画には大きな疑問を感じます。日本の公立美術館の学芸員制度はさまざまな問題を抱えているようですが、そうした中でも優秀な現代美術のキュレーターが生まれています。展覧会企画のディレクションまでトータルにデザインすると言って、キュレーションの門外漢が行うべきではありません。本当に日本にデザインミュージアムを根付かせたいなら、デザインの展覧会を企画・運営のプロフェッショナルを育成すべきです。

この話は、次のチョコレートをテーマにした企画展の出来映えを見て、書こうと思っていたのですが、その企画展が成功しようと、しまいと、やはり、人こそデザインミュージアムの礎。キュレーターの育成は急務と考えます。だから、本日、オープニングの日に書くことにしました。
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by cabanon | 2007-03-30 21:38
 
射的
修善寺にて。ちょっとボケててすみません。
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先週は原稿書きに集中したため、日・月は修善寺に行っていたため、ブログの更新はお休みさせていただきました。今週は肉体改造・集中トレーニングために、更新の回数が減ると思います。
なぜ体を絞るのか──。先週、半分仕事で高校時代の同級生に会ったんです。「太ったな。このまま年食ったら、塩田丸男みたいになるぞ」と言われて、かなりショックで…。髪を切って脱ドン小西を図ったら、今度は丸男か! 最近週3回ジム通いを再開し、筋肉は戻りつつあるのですが、首回りの脂肪がぜんぜん落ちなくて。

塩田丸男って、そういやどんな顔してたっけとネットで検索してたら見つけた5年前の番組のHP。なんともスゴい番組があったようです。
いま僕が坊主にしたら、今度は「ハルオになるぞ」と言われそうです。だから絞ります。
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by cabanon | 2007-03-28 13:08
 
白か赤か
白いのは、昨日の朝日新聞夕刊(首都圏版)に書いたデザイナーズダルマ。今回が本当の僕担当の最終回でした。国立新美術館で買ったもの。左は3年前高崎で買ったもの。
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この白はなかなかよろしい。でも、やっぱり赤。たくさん集まった時の迫力はすごいです。
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2004年高崎市の少林山達磨寺にて。
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by cabanon | 2007-03-17 00:13
 
新宿西口、早春の景
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by cabanon | 2007-03-14 20:20
 
受胎告知
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渋谷駅にて。レオ様の受胎告知がやってきます。石塚さんまでお告げを受けてるかのようです。
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by cabanon | 2007-03-14 19:54
 
これではいかん。
青梅の梅が見頃でした。青梅市梅の公園にて。
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縁あって、青梅のロータリークラブで講演をしました。地元の名士が集まる会合でデザインの話をするというもの。元市長や元々市長、地元企業のトップや宮司さんら、平均年齢65歳という30名の方々の前で約30分の話。むちゃくちゃ緊張して、終わったら汗がドドって出てました。う〜ん、自己採点45点かな。
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デザインは私たちの生活にとても身近なことです。しかし、デザインを語る言葉は全く身近なものでない。それを痛感しました。ミニマムとか、機能とフォルムの緊張感とか、いきなり言われても訳わかんないですよね。新聞に原稿を書いて、だいぶ「デザインを巡る言葉の閉鎖性」を意識するようになりましたが、うん、これではいかん。
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噛み砕いて話せばいいというものじゃない。わかりやすいコトバより響き渡るコトバ。これでいいのだ、と言って、みんなを納得させる──そんなコトバを紡ぎ出せるようにならなくちゃって感じました。
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by cabanon | 2007-03-13 22:18
 
3D看板建築+巨大展示機械
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国立新美術館の黒川紀章展(3/19まで)、楽しめました。特に作品の説明文が…。大阪のソニータワーを解体する件について解説文に「本気か!」とか書いてあったり。特に初期メタボリズム時代の作品は、狂気ギリギリの本気が心地よい。歌っているところをほどんど見たことないけど、なぜか内田裕也のロック魂に感心していまう、といった感じ。自然体とか、等身大の私とか、自分らしく生きるとか、そんな平成の日本を覆い尽くしているナイーブな感性とは真っ向から対立する世界です。ただ、黒川氏の場合、建築を語る大言壮語のマニュフェストと、実施された設計がいささか乖離した作品もけっこう多くて……そこが政治家向きのような……。

で、その黒川氏設計の国立新美術館は、氏の言う「巨大展示機械」に徹した設計に好感が持てました。しかもこれは巨大な「看板建築」でもあります。看板といってもガラスの湾曲したファサードだけではありません。ロビーの吹き抜け空間も看板です。メディアが喜びそうなフォトジェニックな空間は、平面でなく三次元でも「看板」と言っていいと思う。つまり、3D看板建築──。その曲面を多用したファサードとエントランスロビーが、四角い無機質な展示スペースの前面に置かれている。「巨大展示機械+巨大看板建築」です。

東京都現代美術館@木場の無意味なモニュメンタルさよりは数倍よろしい。都現美は、ロビーだけが誇大妄想的で、一旦チケットを買って展示空間に入ると、デパートの売り場を歩き回るような「せせこましさ」がある。しかもその展示空間に、つながりが感じられない。エスカレータに乗って次の階に移動するときとか本当にがっかりします。

国立新美術館は、可動間仕切りで自由に大空間を仕切れる。つまり、見本市会場的空間に徹しているので潔い。ただし、幕張メッセやビッグサイトなどの、見本市専用会場は、天井高が高い大空間なので、どこに自分がいて、会場の大きさはこれくらいなので、歩くスピードはこれくらいにしようと計算できるけど、ここは、どこまで展覧会が続くのか、見当が付かない。企画展「20世紀美術探検」も見たのですが、とにかく広い。そう人から聞いていたので、最初の作品から駆け足でササッと見たけど、それでもまだ作品あるのか、って感じでした。ジョルジョ・モランディのアトリエを撮った写真が良かったです。もうひとつの企画展は、疲れたのでパスしました。
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by cabanon | 2007-03-11 13:54
 
キーストーンマーク
去年の暮れだったか、講義でCIデザインの話になり、ブリヂストンの新旧ロゴを見せて、今のロゴは右肩上がりの飛躍をシンボライズしている、いいデザインなんだ、とか話したら、学生が「いや、古いロゴのほうがいい」って話し始めて……。確かにこのキーストーンマーク、輪郭を少し整えてリデザインすれば、えらくカッコいいマークになるでしょうね。キーストーンとはアーチの頂部の要の石のこと。マークはその断面図の形だとか。1929年に生まれたデザインです。
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現在のロゴはパオスがデザインし1984年に発表されたものです。「BS」というのは、「ばかな」とか「ウソだ」を意味するスラングのBullshitの略として使われており、しかもキーストーンのマークは建設業界でよく使われており、土木建設業と間違われるおそれもあった といった逸話がパオスのHPに紹介されています。(リニューアル前のサイトなので画像は見られません)。で、先進性、国際性、信頼性を表す今のロゴに変更された。赤い三角形は「燃える情熱」を表しているそうです。
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けど、今見ると、イニシャルBの上昇矢印とか燃える情熱とか、バブルへ向かうイケイケだった時代を思い出して、ちょっとこっぱずかしい。「東京ラブストーリー」の鈴木保奈美の太い眉を今見るみたいな……。逆にキーストーンのドスンと落ち着いたマークのほうが、企業の信頼感や品質の安定感を表しているように見える。何がカッコよく見えるかなんてホント時代に左右されますね。時代を超えてどっちがいいかは決めがたい。バブル体験派の僕としては、80年代的な赤い情熱、右肩上がりマークをこの先もずっと守ってもらいたいです。一気に成長して世界企業を輩出したニッポンの象徴みたいなロゴですから。ミシュランのビバンダムだって、きっと一時恐ろしくカッコ悪く見えた時代を経て、誰からも愛される今に至っているはずですしね。
text & photo by Keiichiro Fujisaki

by cabanon | 2007-03-07 21:35
 
ジャン・ヌーヴェル
4年前、カーサに書いたフランス人建築家ジャン・ヌーヴェルのインタビューをアップします。電通のビルのこととか、『陰翳礼讃』的世界への思いとか、いい話を語ってくれています。
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Q ヨーロッパの絵画は、光と影で世界を描きますが、日本や中国の墨絵では、濃淡によって世界を描写します。墨絵の遠近法は、湿度のある大気に色も形も消えていく形で表されます。電通本社ビルには、東アジア的な濃淡による描写に通じるものを感じますが?
A そうですね。この建築は障子紙をイメージしています。白やグレイのセラミックをドット状にガラスに付着させて、透明から白へ、さらにグレイへの至る、濃淡のグラデーションが出るようにしました。セラミックのプリントは、日除けの効果もあります。こうして濃淡のあるビル全体が、白い半透明の障子紙のように見え、空や雲に溶け込み、周囲と連続して見えるようになることを考えたのです。私は日本の伝統建築や文化から多くのことを学びました。たとえば“はかなさ”です。カルティエ財団現代美術館でもアラブ世界研究所でも電通本社ビルでも、はかなさが感じられるように試みました。はかないものが、かえって生き生きとする。日本の建築、たとえば桂離宮には、そうしたはかなさを感じます。障子紙に植裁が映る、その“ひととき”に永遠が感じられるのです。すべてが一瞬に見渡せてしまったら、何が面白いのでしょうか。見えないもの、不確かなものがあるから、そこに欲望が生まれ、エロティシズムが生まれるのです。

Q 谷崎潤一郎の『陰影礼讃』の世界ですね。リヨン国立オペラ座で漆黒の空間に金のカーテンが浮かぶ写真がありますが、『陰影礼讃』の金屏風を語った一節を思わせるのですが?
A どこが出所かなんて話しはしませんよ(笑)。黒の中に金というのは、最初、東京のオペラ劇場(第二国立劇場)のコンペ案で考えたものなんですよ。それをリヨンで再解釈して使ったのです。

Q 第二国立劇場のコンペ案(実現せず)と電通ビルは対照的な外観を持っています。一方は黒い彫刻的な塊で、一方は透明で軽やか。なぜ、同じ東京で、そこまで対照的な提案となったのでしょうか?
A 第二国立劇場は、黒い御影石が太陽を映し出すひとつの塊になっています。中で公演が行われるので、外の世界から隔絶する防護的な意味合いを強調しています。人を内部の世界へ引き入れるという役割もある。一方、電通ビルは、外の世界に開かれています。周囲には東京湾が広がり、浜離宮や銀座があります。コンテクストや求められるものが違うから、当然違ったものになるわけです。

Q 電通ビルではガラスを巡って、衝突があったと聞いていますが。
A 特に、北西側ファサード(新橋側)は私の意図とはまったく違うものになってしまった。もっと透明なガラスを使いたいと主張したのですが、政治的経済的な理由で実現しませんでした。鉛が入っていない、つまりクリスタルガラスでない、緑がかった普通のガラスが使われています。南側ファサード(浜離宮側)の最上階は、レストランが窓を閉じているため、透明で空に消失していく感じがなくなっている。改善してくれなければ、私のサインをこのビルから消したいと言っているのですが。

Q 物質性を消すために素材にこだわるわけですね?
A ええ、素材を感じとることには、とても微妙な要因があります。素材の象徴的、幻想的な意味まで深く感じとらなければならない。もはやバーチャルな世界です。しかしそれをどう表現するか、どう見せるかという時には、できるだけシンプルで自然に表現することが大切になります。それが難しいんです。ただ努力したからといって、できるものではない、微妙なものなのです。

Q ガラスの魔術師などと呼ばれ、ガラスを魔法の鏡のようにお使いになられますね?
A ええ、確かにカルティエ財団現代美術館ではそうですね。エッフェル塔がガラスに映り込んで、二つあるかのように見えます。まるで右岸にもあるようにね。木や雲もガラスに映り込みます。透過したり反射したイメージが、実際の木の枝葉や雲と入り交じり、重なり合い、ずれたり、ぼやけたりして、不確かなものが戯れる。バーチャルな世界が、そこに広がるわけです。

Q コルビュジエは、「建築とは、光の下に集められたヴォリュームの巧みな、正確な、壮麗な戯れである」だと語っていますが?
A コルビュジエの唱えたことは、私のアプローチとは全く違います。コルビュジエにとって建物は確固たるものです。彼はそれを確信をもって光のもとの影の幾何学として扱っています。もちろん太陽は動きとともに影は変化しますが、その変化は不安定なものではありません。コルビュジエの命題の中には、物質的か、非物質的か、という疑念は生まれてこないわけです。 (注*コルビュジエの語る「戯れ」に関する過去記事はこちら

Q “消えゆく建築”ということを唱えられているようですが?
A 私が言い始めた言葉ではありませんよ。建築を消すというのはポール・ヴィリリオ(フランスの思想者・都市計画家、ヌーヴェルは彼のもとで働いていたことがある)が言っている言葉でもあって、都市的、哲学的な考え方に基づいてそう言ったと思う。私自身は“消える”と同時に“現れる”ということにも関心がある。消えるということは、美学的に考えて、“消えなかった”ということまで含まれるわけだからです。消すというのは複雑なものを純化する、無駄なものを省くという方向にもなるわけです。そこには一種の拒絶が存在します。これ以上はもっと哲学的に話になるけれども、話を進めてもいいのかな?

Q やめときましょう。ところで、レス(Less)という名のミニマムなデザインのテーブルを発表されていますね。ミース・ファン・デル・ローエの金言「レス・イズ・モア」には、どういう立場をとられていますか?
A 私はミースをとても尊敬しています。しかし、私のテーブルはミースの「レス・イズ・モア」のアプローチとは違います。彼はミニマリズムの先駆者です。ミースは現実の中から引き算をして、それを抽象化を行い、形やプロポーションにおいて、最もシンプルで、ピュアなものを目指しました。が、ミースはイリュージョン(幻影)というものを使っていません。一方、私のレスというテーブルでは、イリュージョンが大きなテーマになっています。天板は一見5〜8ミリの極薄に見えますが、中央部に行くほど厚みがあって、強度を確保している。錯視的なイリュージョンによって、物質性/非物質性のコントラストが感じられるようにしているのです。

Q 実現していない(アンビルトの)プロジェクトがたくさんありますね。それはあなたにとって、どういう意味を持つものですか?
A 私はアンビルトの建築家ではありません。ピラネージやブーレなど、他にもユートピア描いた偉大なアンビルトの建築家はいますが、私は現実にこだわっています。ユートピアに興味をもつことは素晴らしい。紙の上だけの建築を描き出すことは、建築についての本を書くようなものだと思います。しかし、私は実現可能でないプロジェクトは手がけません。あまりにたくさんのコンペに落選しているので、アンビルトの建築家のように見えるかもしれませんがね。実際に、東京のオペラ劇場や無限の塔など、伝説の白い狼のように実在しないのに有名なプロジェクトもありますしね。しかし、どのプロジェクトも実現を前提にしています。何がこの仕事で素晴らしいかというと、夢みていること、頭の中のコンセプトが、現実のものとなって現れることです。アラブ世界研究所もカルティエ財団現代美術館もルツェルン文化・会議センターにしても、実際に作られない限り、そのイリュージョンを体験することは不可能ですし、物質/非物質の対比を建築の問題として提示するのも難しいわけです。

Q 実現はしませんでしたけどサクラやモミジを使った東京のグッゲンハイム美術館案や、リオのグッゲンハイム美術館案など、植物を使うプロジェクトが多いのですが、建築にとって、植物とはどんな意味を持つものなのでしょうか?
A 植物は都市の建築のマテリアルです。植物は季節を感じさせ、「時」を豊かにし、その土地の植物を使うことによって、どこに建っているかという「所属性」を明らかにします。景観的な視点からも、持続ある発展という環境的な視点からも、植物が都市で果たす役割は大きい。たとえばグリーンベルトは、都市の中にひとつの連続性を生みだします。また、人の気分をリフレッシュするような心理的な効果もあります。もはや植物なしに都市の建築を考えることは不可能と言えるでしょう。(2003年11月1日、東京にて、写真は10月31日撮影)
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初出:『CasaBRUTUS』2004年1月号 マガジンハウス

*LINK ジャン・ヌーヴェルのウェブサイト
text & photo by Keiichiro Fujisaki

by cabanon | 2007-03-05 17:09 | お気に入りの過去記事
 
東京一美しい高層ビル
ジャン・ヌーヴェル設計、電通本社ビル。2002年竣工。
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新橋駅側(写真の反対側。エレベータのあるほう)のガラスがヌーヴェルの指定したものと違ったものになったり、いろいろあったみたいで、彼は「作品」として気に入っていないようです。ですが、最上階部の乳白色のガラスが、春のすこし霞んだ青空に溶け込んで、うん、やはり美しい。
text & photo by Keiichiro Fujisaki

by cabanon | 2007-03-04 15:40


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Profile
藤崎圭一郎
Keiichiro Fujisaki
デザイン評論家。編集者。1963年生まれ。1990〜92年『デザインの現場』編集長を務める。1993年より独立。雑誌や新聞にデザイン、建築に関する記事を執筆。東京藝術大学美術学部デザイン科教授。

ライフワークは「デザインを言葉でいかに表現するか」「メディアプロトタイピング」「創造的覚醒」

著書に広告デザイン会社DRAFTの活動をまとめた『デザインするな』

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